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Comment l'autoportrait d'Albrecht Dürer a secoué le monde de l'art

L'autoportrait 1500 d'Albrecht Dürer était-il un blasphème choquant, une peinture extrêmement influente ou peut-être une brillante proclamation de talent artistique? C'était peut-être les trois.

ParDespoina Tsoli

20 avril 2021

Trois autoportraits d'Albrecht Dürer

Il est difficile de savoir quelles étaient les intentions d'un artiste lorsqu'il a créé ses œuvres. La plupart du temps, les artistes ne quittent pas le public avec une déclaration écrite de l'objectif de leur travail. Il revient ensuite aux historiens de l'art et aux critiques d'art de résoudre le mystère. Dans le cas d'Albrecht Dürer , il y a eu beaucoup de débats sur l'intention exacte de l'artiste avec son illustre Autoportrait de 1500. De nombreuses spéculations accusent Dürer d'un acte provocateur d'orgueil. Nous savons avec certitude qu'Albrecht Dürer était un peintre extrêmement habile et son Autoportrait semble extrêmement familier.

Les débuts et les estampes d'Albrecht Dürer

Autoportrait d'Albrecht Dürer , 1498, via Museo del Prado, Madrid

Albrecht Dürer est né en 1471 dans la ville allemande de Nuremberg. Dès l'âge de 11 ans, Albrecht avait travaillé comme apprenti sous la direction de son père, un orfèvre, qui lui a enseigné les compétences inestimables du dessin et de la gravure qui se révéleront plus tard cruciales pour sa carrière d'artiste. Le talent et la renommée d'Albrecht à un âge précoce étaient également le fruit d'une chance considérable. Le soutien de son parrain, Anton Koberger , l'un des éditeurs les plus prospères de l'époque en Allemagne, signifiait son exposition immédiate et facile en tant qu'écrivain et graveur. De plus, la formation de Dürer n'était rien de moins qu'extraordinaire. Son apprentissage de trois ans à l'âge de 15 ans, sous la direction du principal peintre et graveur de Nuremberg Michael Wolgemut , l'initie à l'art degravures sur bois , le médium dans lequel il excellerait plus tard.

Naturellement, toute cette bonne chance et cette formation experte ont propulsé le jeune Albrecht vers un succès artistique instantané. Après de longs voyages dans certaines des capitales culturelles du monde, Dürer a commencé à vraiment perfectionner son art. En particulier, son voyage en Italie et aux Pays-Bas vers le début des années 1490 a présenté à l'artiste des innovations passionnantes et de nouvelles formes d'expression artistique qui ont eu un impact sur sa pratique créative. En 1494, quand Albrecht Dürer retourna triomphalement à Nuremberg pour s'installer avec sa nouvelle épouse Agnes Frey, il le fit en tant que graveur nouvellement indépendant et peintre renommé.

Young Albrecht, l'artiste établi

Les quatre cavaliers, de l'Apocalypse par Albrecht Dürer , 1498, via le Metropolitan Museum of Art, New York

Le retour à Nuremberg a également marqué l'ouverture du propre atelier d'Albrecht Dürer, où il s'est concentré sur la production de gravures sur bois. En général, on pense que Dürer s'est concentré plus d'urgence sur les estampes que sur les peintures à l'huile, car la gravure était beaucoup plus facile à produire et beaucoup plus lucrative. Cette pratique a permis à Dürer de solidifier son nom d'artiste exceptionnel à travers le continent, car ses estampes étaient d'un savoir-faire bien supérieur à toutes celles qui circulaient en Allemagne. De plus, les gravures pouvaient largement circuler, contrairement aux peintures à l'huile.

Comme Dürer le savait très bien, les peintures sont une chose unique: dans la plupart des cas, elles sont destinées à être vendues et admirées par un seul individu. Même dans le cas improbable de leur reproduction, la pièce finale serait toujours au moins légèrement différente; mais là encore, aucun mécène n'a commandé le même travail qu'un autre. Avec les impressions, les capacités de reproduction et de distribution étaient beaucoup plus faciles. Par conséquent, Dürer s'est naturellement tourné vers la production et la commercialisation de ses tirages d'exception. Il s'est avéré que c'était une décision extrêmement rentable puisqu'il recevait régulièrement des commandes et même achevait des projets pour l'empereur romain germanique Maximillian I.

L'artiste blasphématoire

Autel Paumgartner: Naissance du Christ par Albrecht Dürer , vers 1500, via Alte Pinakothek, Munich

Cela dit, Albrecht n'a pas complètement abandonné la peinture. Au contraire, ayant été profondément influencé par les diverses innovations artistiques qu'il a rencontrées au cours de ses voyages, Albrecht Dürer a commencé à expérimenter différents éléments de composition; couleur, position du corps, éclairage et coups de pinceau. Ces expériences de composition conduit à la libération d'une petite série d'autoportraits à partir de 1493 et la fermeture de sa dernière tranche de la séminale Self-Portrait en 1500 . Dans cette pièce, Dürer semble se présenter dans un modèle très familier, généralement reconnu dans l'iconographie religieuse.

Quatre apôtres: St. Johannes Ev. et Peter par Albrecht Dürer , 1526, via Alte Pinakothek, Munich

Les prouesses artistiques et les éléments religieux de l' Autoportrait de 1500 sont indéniables. Et pourtant, la pièce de Dürer est historiquement reconnue comme quelque chose de moins que pieux. Ce qui est profondément intéressant, c'est que le travail a attiré relativement peu d'attention au moment de la sortie initiale du portrait. Étonnamment, Dürer et son portrait ont été qualifiés de blasphématoires trois cents ans plus tard. Qu'est-ce qui aurait pu changer à ce moment-là? Principalement son interprétation.

Regarder de plus près

Autoportrait en jupe de fourrure par Albrecht Dürer , 1500, via Alte Pinakothek, Munich

Beaucoup, sinon la plupart des interprétations que nous avons des œuvres d'art nous viennent du domaine de l'histoire de l'art et de la critique d'art. Ces disciplines sont généralement apparues dans la seconde moitié du XVIIIe siècle et ont été intégrées dans le discours public en tant que domaines académiques aux XIXe et XXe siècles. La compréhension de ce concept est cruciale car le premier ordre du jour pour tout historien ou critique d'art potentiel, quel que soit son contexte historique, est l'observation.

Lorsque les historiens de l'art ont regardé l' autoportrait de 1500 d'Albrecht Dürer , ils ont tous vu un pastiche d'une représentation médiévale tardive de Jésus-Christ . Plus précisément, Dürer peut être vu regardant directement hors de la toile vers le spectateur, dans une position face à face, de la taille vers le haut et en parfaite symétrie par rapport à la toile. De plus, il porte ses cheveux longs et légèrement bouclés dans une couleur brun doré, une nuance différente de son propre pigment naturel. Sa main droite est enroulée dans un geste intrigant tandis que sa gauche tient son manteau de fourrure. Enfin, l'inscription dorée ornant le fond uni porte un message unique: «Moi, Albrecht Dürer de Nuremberg, j'ai fait une image de moi-même dans des couleurs appropriées (éternelles) au cours de ma 28e année.»

L'imitation du Christ

Détails de Autoportrait en jupe de fourrure par Albrecht Dürer, 1500, via la Pinakothek, Munich

Tous ces éléments de composition pointent intentionnellement vers l'image du Sauveur. Il n'y a pas de débat autour du fait que Dürer a peint son portrait dans l'une des traditions stylistiques les plus reconnaissables réservées à la figure de Jésus-Christ. Cette tradition stylistique est appelée Christ Pantokrator et est considérée comme l'un des styles artistiques les plus identifiables de l'iconographie chrétienne. Cette méthode d' imagerie religieuse était assez répandue au Moyen Âge et se retrouve dans de nombreuses fresques et mosaïques ainsi que dans la plupart des représentations du Christ dans la tradition chrétienne orthodoxe grecque et orientale .

À l'époque de Dürer, on croyait qu'il y avait un récit écrit de témoin oculaire de la figure du Christ. Comme prévu, Dürer s'est coiffé d'après l'image donnée dans le récit, changeant, par exemple, la teinte de ses cheveux blonds en celle de «la couleur de la noisette mûre». Essentiellement, Albrecht Dürer savait exactement ce qu'il faisait.

Interprétations de l' autoportrait

Salvator Mundi de Leonardo da Vinci , vers 1500, via Christie's, New York; avec le Christ Pantocrator du monastère de Sainte-Catherine sur le mont Sinaï, vers le milieu du 6e siècle

Reste à savoir pourquoi Albrecht Dürer se représenterait sciemment d'une manière réservée exclusivement à une figure religieuse. Le public verrait sûrement une telle décision comme un acte arrogant d'orgueil pur et simple. Un exemple comme celui-ci est celui où l'interprétation de l'intention artistique varie à travers les âges. Comme discuté, au moment de la sortie du portrait, il y avait très peu d'agitation, surtout parce que les peintures étaient réalisées principalement par le biais de commandes. Cela suppose que Dürer a peint son portrait comme une forme d'exercice pour des gains personnels et pour explorer davantage les innovations artistiques de son temps. La plupart des contemporains de Dürer auraient considéré l'œuvre d'Albrecht comme l'exercice d'un homme pieux, créant une image dans la tradition très commune de «l'imitation du Christ»: la pratique religieuse de suivre les pas du Christ.

Cependant, lorsque des historiens de l'art du début du XIXe siècle, comme Moritz Thausing , ont analysé la pièce, il a constaté que plutôt que Dürer imitant l'image du Christ, chaque représentation du Christ après Dürer était copiée de sa propre image. Cela signifie que l' autoportrait de Dürer était si apprécié et si influent à l'époque qu'il est devenu le modèle de toutes les représentations suivantes de personnalités religieuses. C'était un exploit stupéfiant. Cependant, lorsque le public de la fin du XIXe et du début du XXe siècle appartenant au mouvement de renouveau chrétien a réévalué la pièce, il l'a trouvée considérablement insuffisante. Le célèbre historien de l'art Erwin Panofsky l'a même qualifié de «blasphématoire».

Albrecht Dürer, le grand artiste

Autoportrait, étude d'une main et d'un oreiller par Albrecht Dürer, 1493, via le Metropolitan Museum of Art, New York

Nous ne saurons jamais si les historiens de l'art des XIXe et XXe siècles étaient exacts, car leur travail reste largement spéculatif. Cependant, sur la base de certains faits connus sur la vie d'Albrecht Dürer et sur les éléments de composition de la peinture, nous pouvons tenter de faire une supposition éclairée. Le récit global que nous pouvons tirer de l' autoportrait de 1500 est le portrait d'un artiste confiant. Comme Dürer le déclare lui-même, il a terminé la pièce avant d'atteindre l'âge de 29 ans et après avoir déjà travaillé pendant de nombreuses années en tant qu'artiste très respecté dans son pays d'origine et dans d'autres centres artistiques à travers l'Europe. C'est aussi une hypothèse sûre qu'il faut un type particulier de talent pour influencer toute une tradition stylistique, comme l'ont fait Dürer et son portrait.

Ce que l'on peut apprendre de l'œuvre de Dürer, c'est le pouvoir de l'histoire de l'art sur le récit d'une œuvre d'art et son acceptation par le public. Malgré l'existence ou la non-existence de tout élément symbolique ou tentative de subvertir les croyances religieuses et l'iconographie, l' autoportrait d' Albrecht Dürer est un morceau de prouesse artistique incontestée et de beauté compositionnelle supérieure.

DESPOINA TSOLI

Despoina est un conservateur diplômé en analyse littéraire et culturelle de l'Université d'Amsterdam. Tout ce qui concerne l'art, l'archéologie et la mythologie suscitera son intérêt, même si elle est connue pour apprécier également un livre exaltant et un bon jeu de société.

Kenio Fuke - Melodia Para Kiara (Song for Kiara)

https://www.youtube.com/watch?v=l0VIel6VRqo&list=PLA2VsTnU3Yyx2IAJcsRbEuD-nD9nAKq7O&ab_channel=LeonidasTritsiniotis

HAIKU este un gen de poezie cu formă fixă, tradiţional japoneză, alcătuită din 17 silabe repartizate pe 3 versuri astfel: 5, 7, 5 (sa nu uitam ca limba japoneză este o limbă silabică)

Categoriile estetice ale poeziei HAIKU sunt:

1. Aware (stare emoţională intensă, mai ales de bucurie, optimism, frumuseţe armonioasă )

2. Fueki (eternul, ceea ce este constant, dimensiunea atemporală a artei, a naturii )

3. Ryuko (efemerul, ceea ce este vremelnic, dimensiunea trecătoare a naturii )

4. Mei (frumuseţe a naturii, a inteligenţei umane )

5. Mono No Aware ( patos al lucrurilor )

6. Mushin (negativitate, lipsă de spirit, conotatii din filozofia Zen, nimicnicie )

7. Sabi (tristeţe a singurătăţii, a declinului, a sărăciei acceptate, a timpului atotdistrugător )

8. Wabi (frumuseţe austeră, melancolie, dezolare )

9. Yugen (misterul singurătăţii, al însingurării )

10. Karumi (simplitate adâncă a formei literare, eleganţă, naturaleţe )

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Un exemplu de hokku clasic scris de Bashō:

古池や蛙飛込む水の音　

Furu ike ya kawazu tobikomu mizu no oto

balta cea veche—

sunetul unei broaște

sărind în apă

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