Arta abstracta 2

Abstractionism, km. 0

 

             K.Malevici, Le Carré noir sur fond blanc, 1913

Abstractionismul a luat nastere in jurul anului 1910, aproape in acelasi timp, in diferite parti ale Europei. Daca este adevarat ca exponentul cel mai sigur al abstractionismului geometric este Mondrian, nu incape indoiala, in schimb, ca centrul major al culturii abstracte, al cautarii si elaborarii teoretice, a fost, initial, atat Rusia anilor ce preced nemijlocit primul razboi mondial cat si Rusia anilor imediat urmatori evenimentelor din octombrie 1917. Aici, intradevar, intre 1905 si 1914, mai intai, si intre 1917 si 1925, mai apoi, abstractionismul s-a afirmat larg, orientandu-se spre trei curente  fundamentale, care au luat numele de raionism, suprematism si constructivism.

Raionismul a aparut in 1909. Creatorii lui au fost Larionov si Goncearova, influentati intr-o masura de Delaunay.In Manifestul miscarii (1913), raionismul este definit drept “o sinteza  de cubism, futurism si orfism”.

Va fi randul lui Malevici sa determine arta figurativa sa faca pasul definitiv spre abstractiunea absoluta (Patrat negru pe fond alb, 1913), [specifica suprematismului]

Vladimir Tatlin, [fascinat de tehnica], va fi creatorul constructivismului. [Gabo si Pevsner se raliaza miscarii dar cu diferente sensibile in conceptiile politice si estetice.]

(Avangarda artistica a secolului XX, cap. Abstractionismul in Rusia, pp. 235,23,241, Ed. Meridiane, 1968).

Vasili Kandinski, pictor rus, reprezentant important al curentului abstractionist, nascut  la Moscova in 1866. In 1896 se instaleaza la Munchen, in Germania Revine in Rusia, in perioada 1914-1921 apoi se exileaza in Germania si Franta, unde moare in 1944.

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Rayonnisme

Le rayonnisme est un style d'art abstrait qui s'est développé à Moscou à partir de 1909 sous l'égide des peintres Mikhail Larionov et Natalia Gonchavora. Mikhaïl Le Dentu qui les rencontre au sein du mouvement Queue d'Âne est influencé par ce style.

Historique

Mikhail Larionov, Rayonismus, Rot und Blau, 1911.

Michel Larionov et Nathalie Gontcharoff développent ce style artistique après avoir entendu une série de conférences données à Moscou par Marinetti, l'initiateur du futurisme littéraire.

En 1913 le groupe de Larionov avec Alexandre Chevtchenko, Ilia Zdanevitch et Nathalie Gontcharoff publie un recueil comprenant un manifeste intitulé « des rayonnistes et des aveniriens », un compte rendu des expositions de la Queue d'âne et de « La Cible » et un traité du rayonnisme établi par Larionov.

Selon ce dernier, cette manifestation de peinture abstraite fait surgir la vie en rendant visible les vibrations inspirées de l'énergie-matière et de la radioactivité. Il faut représenter sur le tableau la somme des rayons qui partent de l'objet pour le représenter exactement. À cette fin il faut isoler l'objet de façon abstraite pour que les rayons émis par les objets voisins ne perturbent pas la vue. Larionov compare le tableau rayonniste à un mirage dans le désert1. Les œuvres rayonnistes de Larionov s'échelonnent de 1911 à 1914. Par la suite il quitta la Russie pour Paris avec Gontcharova pour rejoindre Serge de Diaghilev et dessiner des décors et des costumes de ballets. Le rayonnisme n'est qu'un des styles de ces artistes et fut éphémère. Son rôle pionnier dans l'art abstrait tient surtout à son fondement théorique qui rationalise les idées de l'époque en Russie. C'est sur cette rationalisation que Malevitch fondera la première école russe de peinture abstraite: le suprématisme2. C'est lors de l'exposition du Valet de Carreau de 1910 que Malevitch entra en contact avec le groupe de Larionov.

Goncharova, Cycliste.

Alors que les œuvres rayonnistes de Larionov sont plutôt des expériences, celles de Gontcharova se rapprochent plus de la sensibilité des futuristes italiens. Les titres des tableaux de Larionov sont ceux de natures mortes, ceux de Gontcharova sont Le cycliste , Le moteur de la machine . La sensation de vitesse et la mécanique l'intéressent davantage que les qualités abstraites de la ligne développées dans les traités de Larionov3.

Guillaume Apollinaire dirige encore le catalogue d'une exposition rayonniste en 1914, à Paris. Ce mouvement russe s'achève en 1915.

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Constructivisme russe

Un costume réalisé par Lioubov Popova.

Le constructivisme est un courant artistique né au début du xx^e siècle en Russie. Il s'est développé en « parallèle » à un autre mouvement, le suprématisme.

Étymologie

Le terme d'« art de la construction » a d'abord été utilisé par dérision par Kazimir Malevitch, afin de décrire le travail d'Alexandre Rodtchenko en 1917. Le mot « constructivisme » apparaît ensuite dans le Manifeste réaliste de Naum Gabo en 1920. Alexeï Gan utilise le terme comme titre de son livre, imprimé en 1922, où il est explicitement souligné que la culture de la nouvelle Russie n'est qu'industrielle.

Principes du constructivisme

Le constructivisme se concentre sur la composition géométrique rigoureuse et est par conséquent non figuratif. Il associe des formes géométriques simples, de type cercles ou triangles, pour créer des structures squelettiques en trois dimensions.

Nature du constructivisme

Le constructivisme touche aussi bien à l'architecture (Architecture constructiviste) qu'au théâtre, à la danse, à la peinture ou à toutes formes d'art. Il existe au sein du groupement constructiviste même deux courants : un premier qui se concentre sur le constructivisme fonctionnel et un autre, rassemblé autour de Malevitch, qui aspire à une forme pure de l’art, soustraite à toute obligation au sein de la société.

Historique

Aux débuts de la révolution russe

Dans la foulée de l'avant-garde, beaucoup d'artistes russes cherchent à réagir contre ce qu'ils qualifient d'« ordre ancien » et, notamment, l'art importé. Toutefois, le futurisme italien leur semble acceptable, car il rejette lui aussi les formes d'art anciennes. Dans cet élan, ils établissent en 1912 un manifeste, intitulé « Une gifle au goût du public », montent une exposition nommée « Queue d'Âne » pour protester contre la décadence parisienne et munichoise, et réalisent différents événements artistiques où ils soumettent le public à leurs provocationsGoldberg 1.

Un cabaret de Saint-Pétersbourg, Au chien errant, devient emblématique du nouveau mouvement, et les soirées y remportent un grand succès populaire. Mais les artistes se lassent d'un public trop facile à leurs yeux, et décident de présenter leur forme de futurisme directement dans la rue, où ils circulent vêtus de façon scandaleuse, et le corps peint. Puis ils organisent une tournée dans toute la Russie et, en déclarant que la vie et l'art devraient être libérés des conventions, préparent la mise en œuvre de leurs idées dans tous les domaines de la cultureGoldberg 2.

La réalisation des pièces Victoire sur le soleil et Vladimir Maïakovski (autobiographie) renforcèrent la collaboration entre poètes et peintres. La Première Guerre mondiale provoqua un regroupement des artistes russes à Moscou. Un mouvement artistique put ainsi naître en RussieGoldberg 3.

Nikolaï Foregger ancrera le mouvement dans le rapport des humains et des machines, par l'éducation des mouvements précis de la danse et du cirque.

Art officiel de la révolution russe

Club des travailleurs de Zouïev, 1929

Le constructivisme fut, de 1917 à 1921, l'art officiel de la révolution russe. Puis le mouvement entrera progressivement en disgrâce auprès des autorités, notamment à l'occasion de la pièce Le Cocu magnifique2.

D'abord comme support de la propagande, avec les fenêtres Rosta, puis en organisant les célébrations du premier anniversaire de la révolution russe, en 1918. Le modèle des célébrations trouva son apogée trois ans plus tard, avec une reconstitution des événements, intitulée La Prise du palais d'hiver, qui engagea 8 000 personnes sous la direction de Nikolaï Evreinov.

La mode des commémorations fournit aux constructivistes un terrain idéal pour multiplier les audaces grandioses.

De plus, avec Le Cocu magnifique, Meyerhold sut les associer au théâtre. Il réussit à le faire presque par la ruse, car les constructivistes considéraient le théâtre comme risquant de biaiser leurs idées. Meyerhold recherchait des décors proches de la mécanique, polyvalents et mobiles, pour les emmener hors de l'espace cubique du théâtre conventionnel, et donner aux décors les dimensions de l'espace réel. Les travaux de Lioubov Popova furent très importants pour former cette conviction.

Décors du Cocu magnifique.

Durant ces années d'intenses évolutions et innovations, les constructivistes, par l'importance qu'ils accordaient au théâtre de variétés, appliquèrent les manifestes du futurisme. Ainsi, la Fabrique de l'acteur excentrique, qui promouvait les aspects technologiques du mode de vie américain, montait des mises en scène sur le mode industriel, ou encore le groupe de la Blouse Bleue, qui faisait appel aussi bien à des procédés d'avant-garde qu'à des techniques populaires. La Blouse Bleue concernera d'innombrables groupes répartis dans tout le pays, et impliquera probablement plus de 100 000 personnes

Beaucoup d'artistes, comme Kandinsky et Vladimir Tatline, occupaient des postes officiels importants, tels que professeur à l'Académie de Moscou. Mais après 1920, le gouvernement a condamné les œuvres d'art contemporain, comme incompréhensibles pour les gens ordinaires et contraires à l'intérêt public. Vers 1922, le constructivisme en Union soviétique s'est cantonné aux arts appliqués. De 1932 à 1936 apparut une sorte de « style de transition », défini comme postconstructivisme.

Deux dates marquent la fin du constructivisme russe : d'abord en 1930, avec le suicide de Maïakovsky, puis en 1934, avec le début du réalisme soviétique prôné par Jdanov au congrès littéraire pansoviétique. C'était la fin d'un formidable élan artistique ouvrier qui avait attiré à lui nombre d'artistes de premier plan

Le manifeste du constructivisme a été écrit en 1920 par les frères Anton Pevsner et Naum Gabo. Leur première exposition a eu lieu à la galerie Van Diemen à Berlin, en 1922, sous le nom de « Première exposition d'art russe ». Ce mouvement proclame une construction géométrique de l'espace, utilisant surtout des éléments tels que le cercle, le rectangle et la ligne droite. Ce mode de pensée s'adapte donc aussi bien à la sculpture qu'au design, voire à l'architecture. L'œuvre architecturale de Josef Chochol en est une représentation caractéristique.

Ce projet se développe surtout sur les bases du cubisme et du futurisme. La caractéristique de ce mouvement résulte en ce qu'il n'a jamais existé de programme esthétique clairement défini, ce qui permet donc encore de pouvoir allouer ce terme à certaines œuvres plus modernes.

Le fondateur et membre le plus célèbre du constructivisme fut Vladimir Tatline (1885-1953). En firent également partie les frères Naum Gabo et Antoine Pevsner, Vladimir Choukhov, Alexandre Rodtchenko et Lazar Lissitzky. D'après les artistes membres de ce mouvement, le but est d'exclure le réel de l'œuvre en créant une tension au sein de celle-ci. Dès 1914, Tatline propose une toile, sorte de « reliefs picturaux », issue de son analyse après une visite des ateliers de Picasso.

La deuxième série de reliefs picturaux peinte par Tatline propose enfin des formes totalement abstraites. Chaque élément, chaque forme, possède donc dès lors une dynamique qui lui est propre.

Ce mouvement a notamment inspiré les théories architecturales enseignées à l'école du Bauhaus en Allemagne (1919-1933). Gabo contribue activement à la diffusion internationale du constructivisme. À Paris, au sein du mouvement Abstraction-Création, il rencontre Paul Nash, Ben Nicholson et sa femme, Barbara Hepworth, qu'il influence profondément, lorsqu'il les rejoint à St Ives, lors de son séjour en Angleterre de 1936 à 1947. Il co-édite avec Leslie Martin et Nicholson, Circle 1, International Survey of Constructivist Art, en 1937. L'influence des idées constructivistes de Circle 1 s'étend après la guerre à un groupe d'artistes britanniques comprenant Anthony Hill, Robert Adams, Victor Pasmore, Gillian Wise, Kenneth et Mary Martin (en). Gabo et Pevsner sont aussi les premiers à aborder dans le Manifeste réaliste de 1920 le problème du développement cinétique de la forme dans l'espace, qui donnera lieu plus tard à l'art cinétique.

Actuellement, en Russie, les immeubles de style constructiviste sont menacés de destruction.

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Vladimir Ievgrafovitch Tatline, né le 12 décembre 1885 à Kharkiv et mort le 31 mai 1953 à Moscou, est un peintre et sculpteur russe constructiviste.

                                                    Le tatlin ("Tatline-volant"), 1930-32.
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Antoine Pevsner, né le 18 janvier 1884 à Klimavitchy, en Biélorussie, et mort le 12 avril 1962 à Paris, est un sculpteur, un peintre et un artiste constructiviste russe. Il était le frère de Naum Gabo.

Pevsner, Construction en 3ème et 4ème dimension, 1962, Bronze. Princeton University. New Jersey

                        Pevsner, Column of Peace, on loan from the Metropolitan Museum of Art

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Naum Gabo, Linear construction No 3

                           Naum Gabo, Linear Construction in Space No. 2, 1957 - 1958

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BALETELE RUSE / NIJINSKI -DIAGHILEV

 

La métamorphose chez Nijinsky

 

Si on contemple ses photographies, toutes sont habitées d'un puissant souffle intérieur.Elles transmettent un dynamisme physique et une mobilité permanente qu'on peut définir comme une animalité naturelle.Derrière le costume vibre la chair et derrière le sourire apparaît une poésie pure et profonde qui transmet encore à notre regard la résonance émotive que le spectateur du Théâtre de Châtelet ressentait en 1909.

 'il ne dansait aucun de ses rôles, il en trouvait l'essence'

Le dieu bleu

   Le don fabuleux de métamorphose (corporelle et spirituelle) de Waslaw Nijinsky exalté dans sa très brève carrière a été confirmé par d'innombrables témoignages iconographiques, écrits et oraux émanant des personnalités les plus diverses.

   Doté d'un physique très particulier qui déroute certains de ses professeurs, le danseur joint à une petite taille, des jambes exceptionnellement musclées, des chevilles épaisses dont il sait exploiter la faculté de bondir avec élasticité, se maintenant dans les airs, il s'étire et plane sans préparation.Son cou long, large porte une petite tête au menton un peu lourd, aux cheveux plats et rares, qu'illumine, quand il lui convient, un regard profond et velouté d'une singulière intensité.Tamara Karsavina qui deviendra sa plus fidèle partenaire rapporte que l'opinion générale portée sur lui était:  "Il n'a pas très bon aspect et ne sera jamais un mime de premier plan". Très jeune, il s'est pourtant - tout en développant sa prodigieuse technique - attaché à la qualité expressive de l'artiste exemplaire que fut Pavel Gerdt et qu'il retrouva comme professeur de mime et perfectionnement de 1909 à 1911, à l'époque où lui-même s'affirmait dans maintes créations.

   De façon caractéristique Waslaw préfère très vite fréquenter les élèves d'art dramatique. Dès 1905 il se distingue en interprétant dans un spectacle d'école le rôle d'un jeune faune dans Acis et Galathée de Fokine, puis en 1906, celui de Roi de rats dans Casse-Noisette de Petipa.

"Voyez-le, dans Cléopâtre. Quel nègre fidèle, cauteleux et sournois! Quelle humble manière de courber l'échine et de plier la jambe! Comme son œil est attentif au moindre signe de sa souveraine."  Jean Cocteau

"...le rêve, le soupir (...) tournoyait, il embaumait, il exprimait la naissance du désir, inquiétant une dormeuse naïve" En s'enfuyant d'un bond dans le jardin nocturne "ce n'était plus un humain qui délaissait la chambre du phantasme pour rejoindre l'espace et se mêler aux mollesses argentines d'une nuit d'été, c'était un souffle romantique, c'était vraiment l'ombre de la rose, du vertige, du songe et du sommeil"   Anna de Noailles

​En total contraste avec cet esprit éthéré, le Petrouchka imaginé par A. Benois, réglé par Fokine, lui permet de se transformer en pitoyable marionnette de son, tantôt dénuée de toute ossature, tantôt raide comme le bois dont elle fut sculptée. Le corps reste toujours celui d'une poupée, tête penchée sur une épaule, bras et jambes mus par des mouvements spasmodiques et automatiques tandis que seul, le regard douloureux exprime les émotions, la crainte, la passion, le désespoir.

Dans l'après-midi d'un faune qui bouleverse tout Paris, : "...il s'étend, s'accoude, marche accroupi, se redresse, avance, recule avec des mouvements tantôt lents, tantôt saccadés, nerveux, anguleux: son regard épie, ses bras se tendent, sa main s'ouvre au large, les doigts l'un contre l'autre serrés, sa tête se détourne avec une convoitise d'une maladresse voulue et qu'on croirait naturelle. Entre la mimique et la plastique, l'accord est absolu, le corps tout entier signifie ce que veut l'esprit, il atteint au caractère à force de rendre pleinement le sentiment qui l'anime."  Auguste Rodin

 "Il marchait à la manière des tigres, ce n'était pas le transport d'un aplomb sur un autre aplomb d'une charge inerte, mais la complicité élastique avec le poids, comme celle de l'aile avec l'air..."  Paul Claudel

Par la suite les parisiens curieux qui l'idolâtrent à la scène seront fort surpris de ne pas le reconnaitre à la ville, engoncé dans un pardessus trop long, presque gauche, l'expression morne, en réalité toujours plongé dans ses songes intérieures.

Cette maitrise inné du corps par l'âme, de l'animal par l'esprit, cet abandon total à l'intuition et cette volontaire dépossession en un dieu créateur du monde, Nijinsky est sans doute le seul à en avoir généreusement offert l'exemple le plus bouleversant.  Son passage laisse une trace indélébile et foudroyante, celle d'un être qui s'est livré  en un élan quasi mystique au dieu qui l'habite, au Dieu qui se veut chair transfiguré par le sentiment et l'âme.

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DIAGHILEV-KARSAVINA

Bakst

 

 Draga D.

Scotocind prin sipetul cu arta simbolista, printre G. Moreau, Klimt et comp., dau de Leon Bakst, decoratorul si desenatorul costumelor din Baletele rusesti care au fascinat Parisul din Belle Epoque. Leon Bakst (n. in Grodno, Bielorusia in 1866- decedat la Paris in 1924) ma incanta prin fantezie si creativitate, asiatism estetizat, rafinament sauvage.

Intri in rezonanta? Ce spune pictorita D.?

Ion

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 d.f.

Sam 04/06/2016 22:01

Este unul din cele mai minunate( suporta superlativul ?!) cadouri pe care le-am primit vreodata. Bakst ! Leib-Haim (nu exista mai evreu ca asta) Cred ca am revazut in el toata istoria artei,din toate timpurile si locurile in care s-a folosit culoare,creion,dragoste...Trebuie sa investighez mai mult,portretele sint puternice,expresive,costumele stau pe o culoare si o anatomie pline de iubire,am avut o stare de deja-vu,un amestec de fericire si teama ,asa imi imaginez ca apare dependenta de drog,o stare de dementa juvenila in care ti se pare ca poti tot si nimic...Dumnezeu nu le poate pe toate,dar are cite un Ion care stie sa gaseasca unde se piteste caldura sufletului...

  Daca pui la un loc toate personajele simti forfota din culise,desenul animat e colea,auzi la-la-la-la-la din fosa orchestrei, ii vezi pe masinistii care fac ultimele eforturi la decor,esti acolo,in mirosul de praf-parfum-transpiratie,...Bakst e un senzual minat de patima carnii pervers mingiiata cu pensula,e un coregraf al creionului ,un vizionar-petecar al modei...Discursul lui e compact, elementele au consistenta doar impreuna, asta denota coerenta de creier si suflet. In muzica i-as zice jazz, usor la prima vedere,dar te face sa sari o bataie a inimii...  

  Multumesc, D. -vesnicdatoare

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Feeriile lui Bakst

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http://www.wikiart.org/en/leon-bakst

baletele ruse

 Misiva

Eu iti multumesc pentru mesajul tau incandescent. Discutam mai pe larg in zilele urmatoare, ce naiba, doar avem abonament pentru toata stagiunea Baletelor ruse. Domnul Serge de Diaghilev, ne-a rezervat o loja. Dansatorii Balanchine, Fokine, Ida Rubinstein ne-au invitat in cabine. Doar  Nijinsky ne-a cam privit de sus, dar stii cum e cu succesul: imbata!

Ion

Frédérique Doyon

12 décembre 2009

• Danse

Aux Cocteau, Picasso, Prokofiev et Nijinski qui ont travaillé avec lui, il lançait un audacieux «Étonnez-moi!». L'impresario Serge Diaghilev fondait en 1909 les Ballets russes, dans un esprit d'innovation qui allait définir le spectacle chorégraphique tel qu'on le connaît aujourd'hui. Monaco, terre d'accueil de la troupe mythique, célèbre ce centenaire en grande pompe jusqu'en juillet prochain. Et la Compagnie Marie Chouinard participe à l'événement.

Précurseur

L'innovation des Ballets russes s'incarne d'abord dans la forme originale de la compagnie. Constituée de quelques-uns des meilleurs danseurs du théâtre Marinski de Saint-Pétersbourg, la troupe se promène en Europe, en Amérique du Sud et aux États-Unis, attachée à aucun théâtre. Itinérante (elle coupe même les ponts avec le Ballet impérial de Russie en 1911), elle s'ancre toutefois à Paris, Londres et Monaco.

«C'est la première compagnie de danse comme on l'entend aujourd'hui, avec ses créations propres et des tournées. Jusque-là, les ballets étaient surtout des divertissements dans les opéras», explique Josu Zabala, assistant à la direction artistique des Ballets Monte-Carlo, qui organisent le «Centenaire des Ballets russes» avec le Monaco Dance Forum, à l'instigation de la principauté de Monaco.

Mais la force des Ballets russes sera de cristalliser sur scène l'avant-garde qui s'éveille à l'époque, tant en peinture qu'en musique ou à l'écran naissant. C'est toute la conception du spectacle chorégraphique qui s'en trouve bouleversée, réinventée. Le ballet Parade réunit le livret de Jean Cocteau, des décors de Picasso, la musique d'Érik Satie et la chorégraphie de Léonide Massine. Toujours d'après un livret de Cocteau, Le Train bleu est chorégraphié par Nijinska Bronislava, la soeur de Nijinski, sur une musique de Milhaud, et les costumes sont signés... Coco Chanel.

«Ce qui est aujourd'hui normal — réunir un grand peintre, un grand compositeur et un chorégraphe — était à l'époque tout à fait innovateur et révolutionnaire, note M. Zabala. La particularité qui donne cette universalité aux Ballets russes est que nous avons Cocteau, Stravinski, Debussy, Satie, Prokofiev, Picasso, Roerich, Rouault, Fokine, Nijinski, Balanchine, une palette dans tous les domaines artistiques. On a des artistes exceptionnels qui, par le hasard des choses et le génie de cet homme [Diaghilev], ont fait des pièces qui ont marqué la danse et l'histoire de l'art à jamais.»

En 20 ans, la troupe signe une soixantaine de ballets, des plus traditionnels aux plus innovants, et fait découvrir à l'Occident les oeuvres de Marius Petipa. Ses créations se nourrissent de contes et légendes russes (Petrouchka, Noces, L'Oiseau de feu), succombent aux chatoiements de l'Orient (Schéhérazade) et aux poésies fantastiques (Le Spectre de la rose, Jack in the Box), explorent les thèmes de la Bible (Le Fils prodigue) et de la culture antique (L'Après-midi d'un faune). La compagnie se démarque aussi par des créations plus expérimentales, comme Le Train bleu, Parade et Ode, éclairé au néon et accompagné de projections cinématographiques.

Les Ballets russes ne survivront pas à la mort de leur créateur, Serge Diaghilev, figure excentrique, aussi impérieuse que généreuse, qui s'éteint en 1929. Mais l'esprit qui les animait essaime dans les écoles, les théâtres et les compagnies de ballet. D'anciennes institutions embauchent les danseurs et chorégraphes de la troupe mythique, qui fondent aussi de nouvelles écoles et compagnies. Des troupes tenteront aussi de réanimer les Ballets russes en remontant les grands succès de leur répertoire au cours de la première moitié du XXe siècle.

Sacre et Faune

De toutes les oeuvres des Ballets russes, Le Sacre du printemps (ci-après le Sacre), qui réunit la danse radicale de Nijinski et la musique dépaysante et contrastée d'Igor Stravinski, a profondément marqué le dernier siècle chorégraphique. Rejetée avec virulence par le public à cause de sa violence primitive — le ballet disparaît de la scène après huit représentations —, la pièce revient en force au cours du XXe siècle, inspirant le plus grand nombre d'adaptation et de recréation.

Un foisonnement dont témoigneront les célébrations du centenaire, qui promettent des Sacre aux effluves africaines (George Momboye), chinoises (Shen Wei) ou inspirés du butô (Carlotta Ikeda), d'autres célébrant la jeunesse (Josette Baïz), la culture pop (Karole Armitage) ou la gestuelle des musiciens de la partition de Stravinski (Xavier Le Roy). Les Ballets de Monte-Carlo, lointains mais dignes héritiers des Ballets russes, vont d'abord remonter le Sacre original le 26 décembre prochain, selon la reconstruction consacrée de l'historienne et chorégraphe américaine Millicent Hodson.

D'ici là, la Compagnie Marie Chouinard présente son propre Sacre ce soir à Monaco. Hier, la compagnie québécoise offrait aussi, dans une soirée spéciale «Faune», sa toute première version de L'Après-midi d'un faune (1987), qui évacuait la musique de Debussy au profit d'un environnement sonore signé Edward Freedman, que déclenche la danseuse du solo (ici Carole Prieur).

«La musique extrêmement romantique, éthérée, aérienne de Debussy n'était pas connectée du tout avec l'animalité du Faune», expliquait au Devoir la chorégraphe, avant de partir pour Monaco, fascinée par la puissance musculaire, la gestuelle angulaire et la forte présence du Faune de Nijinski.

On comprend donc quel fut son bonheur lorsqu'elle apprit que Nijinski détestait lui-même cette musique imposée par Diaghilev. Cette découverte l'a sûrement aidée à se réconcilier avec l'oeuvre de Debussy en 1992, ce qui a permis de réunir ses deux pièces inspirées de Nijinski en un seul programme double (avec le Sacre) qui court le monde encore aujourd'hui.

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Ballets russes

Ballets russes
Serge de Diaghilev (1872-1929)
Fondation et rattachement
Fondation	1907
Ville d'attache	Saint-Pétersbourg
Pays d'origine	Russie
Années actives	1909-1929
Description
Genre	danse classique
	Serge de Diaghilev

Les Ballets russes sont une célèbre compagnie d'opéra et de ballet créée en 1907 par Serge de Diaghilev, avec les meilleurs éléments du théâtre Mariinsky de Saint-Pétersbourg. Dès 1909, la compagnie entame une tournée internationale et, en 1911, Diaghilev coupe les ponts avec le Ballet impérial. La compagnie devient une troupe privée, indépendante, qui se fixe à Monte-Carlo, Paris et Londres, sans s'attacher à aucun théâtre en particulier.

Les tournées

Ballet russe d'August Macke (1912)

La première saison des Ballets russes a lieu au théâtre du Châtelet, du 18 mai au 18 juin 1909, sous le patronage de la Société des grandes auditions créée par la comtesse Greffulhe1. Chaque année à cette période, la compagnie revient à Paris, d'abord au Châtelet, puis dans d'autres théâtres2.

À partir de 1911, la troupe donne également des représentations à Rome, à Vienne, au Grand Théâtre de Genève, à Barcelone et à Madrid. Elle danse aussi en Amérique du Sud dès 1913, aux États-Unis dès 1915 ; après la Première Guerre mondiale, elle se produit en Belgique entre 1922 et 1928, à Lausanne et Berne en 1923, aux Pays-Bas en 1924.

La dernière représentation est donnée à Vichy le 4 août 1929. Malgré les tentatives de Serge Lifar et de Boris Kochno, la troupe ne survit pas à son fondateur, décédé à Venise le 19 août 1929, mais l'esprit en sera préservé jusqu'au Ballet du marquis de Cuevas.

• 1909 : Paris
• 1910 : Bruxelles - Paris
• 1911 : Paris- Londres - Monte-Carlo - Rome
• 1912 : Berlin - Budapest - Londres - Deauville - Paris - Vienne
• 1913 : Amérique du Sud - Londres - Lyon - Monte-Carlo - Paris - Vienne
• 1914 : Londres - Paris
• 1915 : États-Unis - Genève - Italie
• 1916 : États-Unis
• 1917 : Amérique du Sud - Barcelone - États-Unis - Paris - Rome
• 1918 : Barcelone - Madrid
• 1919 : Londres - Paris
• 1920 : Paris - Rome
• 1921 : Genève - Lyon - Paris - Rome
• 1922 : Anvers - Bruxelles - Genève - Ostende - Paris - Vienne
• 1923 : Anvers - Berne - Genève - Lausanne - Monte-Carlo - Paris
• 1924 : Amsterdam - La Haye - Monte-Carlo - Paris - Rotterdam
• 1925 : Barcelone - Paris
• 1926 : Londres - Monte-Carlo - Paris - Vienne
• 1927 : Londres - Monte-Carlo - Paris
• 1928 : Bruxelles - Paris
• 1929 : Londres - Paris - Vichy

Les principaux danseurs

George Balanchine (1924-1929), aussi chorégraphe Michel Fokine (1909-1912), aussi chorégraphe Léonide Massine (1913-1928), aussi chorégraphe Vaslav Nijinsky (1909-1919), aussi chorégraphe Bronislava Nijinska (1909-1929), aussi chorégraphe Ruth Page (1925) Ida Rubinstein (1909-1911 et 1920)

Les chorégraphes

Shéhérazade de Michel Fokine

interprété par Theodore Kosloff (1913)

Diaghilev pour sa compagnie, va favoriser l'essor de talents originaux et la création de nouvelles chorégraphies dont plusieurs marquèrent l'histoire de la danse moderne.

Le premier chorégraphe des ballets russes fut Michel Fokine issu du théâtre Mariinsky qui régla les chorégraphies des premières saisons des ballets russes dont Le Pavillon d'Armide, Les Danses polovtsiennes, Le Prince Igor, L'Oiseau de feu, Petrouchka, Le Spectre de la rose, Le Dieu bleu, Daphnis et Chloé. Écarté au profit de Nijinski, il est rappelé en 1914 pour créer trois autres ballets La Légende de Joseph, Midas, Papillons, avant de quitter définitivement la compagnie.

Nijinsky fut à l'origine de deux des scandales les plus retentissants liés aux Ballets russes, avec ses chorégraphies de L'Après-midi d'un faune et Le Sacre du printemps. Il régla aussi la chorégraphie de Jeux. Ses chorégraphies novatrices ne furent pas comprises par le public, ni par des compositeurs ou des danseurs comme Igor Stravinsky et Ida Rubinstein, qui refusa de danser la grande nymphe de L'Après-midi d'un faune.

Après le renvoi de Nijinsky en 1914 et le départ définitif de Fokine, Leonide Massine devient de 1915 à 1921 le chorégraphe en chef des Ballets russes pour qui il crée les chorégraphies de Soleil de nuit, La Meninas, Les Contes russes, Parade qui fit scandale lors de sa création, une nouvelle chorégraphie du Sacre du printemps, La Boutique fantasque, Le Tricorne, Le Chant du rossignol, et Pulcinella. En 1921 il quitte les Ballets russes, mais continua à partir de 1925 à composer de nouvelles chorégraphies pour la compagnie en alternance avec Bronislava Nijinska et George Balanchine.

Assistante de son frère sur les chorégraphies du Faune et de Jeux, Bronislava Nijinska créa pour la compagnie de Diaghilev les chorégraphies de Noces et Renard de Stravinsky, Les Biches, Les Fâcheux, Le Train bleu et Une nuit sur le Mont Chauve.

Faisant partie de la dernière génération de danseurs ayant intégré la compagnie, George Balanchine fut, à partir de 1926, le principal chorégraphe des Ballets russes, quand il composa les chorégraphies de Jack in the Box, La Chatte et Apollon musagète, ballet qui marqua les débuts d'une collaboration de longue date avec Stravinsky.

Dernier danseur étoile des ballets russes, Serge Lifar fit aussi une nouvelle chorégraphie de Renard pour la dernière saison de la compagnie en 1929.

Les autres artistes

Pablo Picasso (coiffé d’une casquette), entouré d’une équipe de décorateurs, assis sur le rideau de scène qu’il a créé pour Parade, un ballet de Léonide Massine, sur une musique d'Erik Satie et un poème de Jean Cocteau, créé en 1917 par les Ballets russes au théâtre du Châtelet à Paris.

Les spectacles révèlent aussi au public les talents de grands artistes :

Compositeurs russes

• Modeste Moussorgski
• Sergueï Prokofiev
• Nikolaï Rimsky-Korsakoff
• Igor Stravinsky

Compositeurs français

• Claude Debussy
• Erik Satie
• Darius Milhaud
• Francis Poulenc
• Maurice Ravel

Écrivain

• Jean Cocteau

Peintres

• Léon Bakst
• Alexandre Benois
• Georges Braque
• Giorgio de Chirico
• Sonia Delaunay (costumes)3
• Robert Delaunay (décors)4
• André Derain
• Nathalie Gontcharova
• Marie Laurencin
• Henri Matisse
• Pablo Picasso
• Georges Rouault
• Maurice Utrillo

Les œuvres

Léon Bakst, costume du Tsarévitch dans L'Oiseau de feu (1913).

Léon Bakst, costume pour

Le Dieu bleu (1911).

1908

• Cléopâtre (sous le titre Nuit d'Égypte), de Michel Fokine, musique de Anton Arenski, Alexandre Taneïev, Nikolaï Rimski-Korsakov, Mikhaïl Glinka, Alexandre Glazounov, Modeste Moussorgski, Nicolas Tcherepnine, décors et costumes de Léon Bakst4

1909

• Le Pavillon d'Armide, de Michel Fokine, musique de Tcherepnine, décors et costumes d'Alexandre Benois
• Les Danses polovtsiennes du Prince Igor, de Michel Fokine, musique d'Alexandre Borodine, décors et costumes de Nicolas Roerich
• Le Festin, de Michel Fokine, musiques diverses, costumes de Léon Bakst et autres
• Les Sylphides, de Michel Fokine, musique de Frédéric Chopin, décors et costumes d'Alexandre Benois
• Cléopâtre, de Michel Fokine, musiques diverses, décors et costumes de Léon Bakst
• Schéhérazade, de Michel Fokine, musique de Nikolaï Rimsky-Korsakoff, décors et costumes de Léon Bakst

1910

• Carnaval, de Michel Fokine, musique de Robert Schumann, décors et costumes de Léon Bakst
• L'Oiseau de feu, de Michel Fokine, musique d'Igor Stravinsky, costumes de Léon Bakst

1911

• Narcisse, de Michel Fokine, musique de Nicolas Tcherepnine, décors et costumes de Léon Bakst
• Petrouchka, de Michel Fokine, musique d'Igor Stravinsky, décors et costumes d'Alexandre Benois
• Sadko, de Michel Fokine, musique de Nikolaï Rimsky-Korsakoff, décors et costumes de Boris Anisfeld.
• Le Spectre de la rose, de Michel Fokine, musique de Carl Maria von Weber, décors et costumes de Léon Bakst

1912

• L'Après-midi d'un faune, de Vaslav Nijinsky, musique de Claude Debussy, décors et costumes de Léon Bakst
• Daphnis et Chloé, de Michel Fokine, musique de Maurice Ravel, décors et costumes de Léon Bakst
• Le Dieu bleu, de Michel Fokine, musique de Reynaldo Hahn, décors et costumes de Léon Bakst
• Thamar, de Michel Fokine, musique de Mili Balakirev, décors et costumes de Léon Bakst

1913

• Jeux, de Vaslav Nijinsky, musique de Claude Debussy, décors et costumes de Léon Bakst
• La Khovanchtchina, d'Adolph Bolm, musique de Modeste Moussorgski, décors et costumes de Fedor Fedorovsky
• Le Sacre du printemps, de Vaslav Nijinsky, musique d'Igor Stravinsky, décors et costumes de Nicolas Roerich
• La Tragédie de Salomé, de Boris Romanow, musique de Florent Schmitt, décors et costumes de Serge Soudeïkine

1914

• Le Coq d'or, de Michel Fokine, musique de Nikolaï Rimsky-Korsakoff, décors et costumes de Nathalie Gontcharova
• La Légende de Joseph, de Michel Fokine, musique de Richard Strauss, costumes de Léon Bakst
• Midas, de Michel Fokine, musique de Maximilien Steinberg, décors et costumes de Mstislav Doboujinsky
• Papillons, de Michel Fokine, musique de Robert Schumann, décors de Mstislav Doboujinsky, costumes de Léon Bakst

1915

• Soleil de nuit, de Léonide Massine, musique de Nikolaï Rimsky-Korsakoff, décors et costumes de Michel Larionov

1916

• Las Meninas, de Léonide Massine, musique de Gabriel Fauré, costumes de José Maria Sert

1917

• Les Contes russes, de Léonide Massine, musique d'Anatoli Liadov, décors et costumes de Michel Larionov
• Parade, de Léonide Massine, musique d'Erik Satie, poème de Jean Cocteau, décors et costumes de Pablo Picasso
• Le donne de buon umore, de Léonide Massine, musique de Vincenzo Tommasini d'après des sonates de Domenico Scarlatti, décors et costumes de Léon Bakst

1918

• Cléopâtre, de Léonide Massine, reprise de Nuit d'Égypte, avec les musiques d'origine, costumes de Sonia Delaunay, décors de Robert Delaunay5

1919

• La Boutique fantasque, de Léonide Massine, musique de Gioachino Rossini, décors et costumes d'André Derain
• Le Tricorne, de Léonide Massine, musique de Manuel de Falla, décors et costumes de Pablo Picasso

1920

• Le Chant du rossignol, de Léonide Massine, musique d'Igor Stravinsky, décors et costumes d'Henri Matisse
• Pulcinella, de Léonide Massine, musique d'Igor Stravinsky, décors et costumes de Pablo Picasso

1922

• Renard, de Bronislava Nijinska, musique d'Igor Stravinsky, décors et costumes de Michel Larionov
• Mavra, de Bronislava Nijinska, musique d'Igor Stravinsky, décors et costumes de Léopold Survage

1923

• Les Noces, de Bronislava Nijinska, musique d'Igor Stravinsky, décors et costumes de Nathalie Gontcharova

1924

• Les Biches, de Bronislava Nijinska, musique de Francis Poulenc, décors et costumes de Marie Laurencin
• Les Fâcheux, de Bronislava Nijinska, musique de Georges Auric, décors et costumes de Georges Braque
• Le Train bleu, de Bronislava Nijinska, musique de Darius Milhaud, décors d'Henri Laurens, costumes de Gabrielle Chanel

1925

• Barabau, de George Balanchine, musique de Vittorio Rieti, décors et costumes de Maurice Utrillo
• Les Matelots, de Léonide Massine, musique de Georges Auric, décors et costumes de Pedro Pruna
• Zéphyr et Flore, de Léonide Massine, musique de Vladimir Dukelsky, décors et costumes de Georges Braque

1926

• Jack in the Box, de George Balanchine, musique d'Erik Satie (orchestration de Darius Milhaud), décors et costumes d'André Derain
• Pastorale, de George Balanchine, musique de Georges Auric, décors et costumes de Pedro Pruna
• Une nuit sur le mont Chauve, de Bronislava Nijinska, musique de Modeste Moussorgski, décors et costumes de Nathalie Gontcharova

1927

• La Chatte, de George Balanchine, musique d'Henri Sauguet
• Le Pas d'acier, de Léonide Massine, musique de Sergueï Prokofiev, costumes de Gueorgui Iakoulov

1928

• Apollon musagète, de George Balanchine, musique d'Igor Stravinsky, décors et costumes d'André Bauchant
• Les Dieux Mendiants, de George Balanchine, musique de Georg Friedrich Haendel, décors de Léon Bakst
• Ode, de Léonide Massine, musique de Nicolas Nabokov

1929

• Le Bal, de George Balanchine, musique de Vittorio Rieti, décors et costumes de Giorgio de Chirico
• Le Fils prodigue, de George Balanchine, musique de Sergueï Prokofiev, décors et costumes de Georges Rouault.

Les héritiers

Les Ballets russes de Monte-Carlo (1932-1935) sont fondés par le colonel de Basil et René Blum. À la suite de la brouille de ses créateurs, la troupe est divisée en 1935 en :

• Ballets russes du colonel W. Basil (1935-1938), dirigés par le colonel de Basil et rebaptisés Covent Garden Russian Ballet (1938-1939) puis Original Ballet Russe (1939-1948) ;
• Ballets de Monte-Carlo (1936-1938), dirigés par René Blum et rebaptisés Ballet russe de Monte-Carlo (1938-1963) sous la direction de Serge Denham. La troupe est recréée en 1985 à la demande de Grace de Monaco sous le nom de Ballets de Monte-Carlo.

Les Ballets suédois, de 1920 à 1925, sous la direction de Rolf de Maré créés après la séparation de Michel Fokine d'avec les Ballets russes de Serge de Diaghilev6

Les ballets dans la haute couture

L’atmosphère des ballets russes à travers les costumes de Bakst se retrouve dans le domaine de la haute couture. Ses œuvres, ses dessins, ses costumes continuent aujourd’hui encore à inspirer les couturiers les plus divers. Parmi eux, Christian Lacroix, John Galliano pour Dior ou Karl Lagerfeld pour Chloé ont ravivé la mémoire de Bakst.7 En 1976, Yves Saint Laurent présente sa collection Opéra – Ballets russes.8 Amateur des ballets, des costumes de Léon Bakst, et de peintures orientalistes, Yves Saint Laurent réuni à la fois la Russie impériale, et son opéra. Fourrures, mousselines, soies, velours sont portés par les mannequins aux couleurs étincelantes.9  

Galerie

• 

  Leon Bakst : Ida Rubinstein comme Hélène de Sparte (1912)
 
• 

  Leon Bakst : Costume pour la danse Narcisse (1911)
 
• 

  Leon Bakst : Costume pour Zharptitsa
 
• 

  Leon Bakst : Costume pour le Pèlerin dans Le Dieu Bleu (1912)
 
• 

  Leon Bakst : Costume pour une Bayadère dans
  Le Dieu Bleu (1912)
 
• 

  Leon Bakst : décor pour Daphnis et Chloé
 
• 

  Apollon Musagète interprété par
  Serge Lifar et Alexandra Danilova (1928)
 
• 

  Apollon Musagète avec
  Serge Lifar, Alexandra Danilova, Chernysheva, Dubrovska, Petrova (1928)

•  (w.fr.)