PAR ALEX GREENBERGER
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30 juillet 2021
5 œuvres à connaître de Bernini : des auvents ornés, des tissus flottants et plus encore
Bien avant de devenir l'artiste le plus célèbre associé au mouvement baroque du XVIIe siècle, Gian Lorenzo Bernini, 13 ans, a stupéfait l'Italie en créant un buste du chirurgien Antonio Coppola. C'était l'un des premiers bustes psychologiquement perçants du Bernin - et, si vous en croyez tout ce que l'artiste a dit, ce n'était pas le premier qu'il avait fait. Il a affirmé avoir d'abord essayé de créer des « ressemblances parlantes » à l'âge de huit ans, mais il y a de bonnes raisons d'en douter : Bernini était plutôt un fabuliste. Quoi qu'il en soit, le public a été émerveillé par la sculpture de Coppola.
Dans les décennies qui ont suivi, Bernini prouverait encore et encore qu'il était un maître sculpteur. Travaillant à une époque où la peinture était encore considérée comme le médium artistique le plus important, Bernini a montré son habileté à imprégner le bronze et le marbre de vivacité. Son talent a fait de lui un favori parmi l'élite de Rome, et les créations qu'il a produites pour eux ont résisté à l'épreuve du temps, se classant parmi les œuvres d'art les plus importantes exposées dans la ville .
Ci-dessous, un aperçu de cinq des œuvres les plus célèbres du Bernin.
David (vers 1623-1624)
Lorsque Bernini a créé cette statue au milieu de la vingtaine, il est devenu une sensation. Pendant environ une décennie, Bernini avait été traité comme un prodige parmi l'élite italienne, et il n'était donc pas surprenant qu'il ait attiré l'attention du cardinal Scipioni Borghese. Vers 1623, Borghese se mit au travail sur les plans d'une villa suburbana , une grande maison juste à l'extérieur de Rome. Pour l'orner, il fit réaliser au Bernin trois grandes sculptures, dont celle-ci.
À l'époque comme aujourd'hui, l'image la plus connue du récit biblique de David et du Goliath était la sculpture nue du héros de 17 pieds de haut de Michel-Ange, qui était initialement située sur une place florentine. Plutôt que le meurtre de Goliath, les sculptures de Michel-Ange représentent les moments avant la bataille de David. La sculpture du Bernin a été réalisée dans la même veine, avec Goliath laissé invisible, mais le Bernin a tenté de surpasser Michel-Ange.
La sculpture du Bernin est beaucoup plus dynamique et extravagante. Nous voyons le moment où David se retourne et prépare son tir sur Goliath Le tissu tourbillonne autour de David, se tordant sur l'une de ses jambes musclées. Sa mâchoire semble serrée, comme en prévision de l'exploit hautement physique qu'il s'apprête à accomplir. Le visage de David était modelé sur celui du Bernin – l'artiste cherchait la place de Michel-Ange dans l'imaginaire de la scène artistique italienne. Le pari est réussi et la sculpture remporte un vif succès, non seulement auprès du Cardinal Scipione mais auprès du grand public. Filippo Baldinucci, le premier biographe du Bernin, a écrit : « Dès qu'il fut terminé, une telle acclamation s'éleva que toute Rome se précipita pour le voir comme s'il s'agissait d'un miracle.
Apollon et Daphné (1622-1625)
Le plus grand talent du Bernin était sa capacité à transformer le marbre, un matériau froid et élégant, en quelque chose de profondément vivant. Ses capacités sont évidentes dans des œuvres telles que celle-ci, qui, comme David (ci-dessus), a été commandée par le cardinal Borghese pour sa villa suburbana en dehors de Rome. Le travail sur cette sculpture a précédé David , bien que Bernini ait arrêté la production au milieu pour travailler sur l'autre sculpture. Il fut terminé en 1625, peut-être avec l'aide d'un étudiant nommé Giuliano Finelli ; les œuvres ultérieures du Bernin étaient souvent réalisées en grande partie par des assistants, sans crédit, dans son immense studio.
La scène mythologique montrée dans la sculpture implique le dieu Apollon et Daphné, une nymphe. Selon la mythologie grecque, Apollon avait insulté Eros, le dieu de l'amour, et s'était fait tirer dessus avec une flèche à cause de cela. Il a commencé à poursuivre Daphné avec persistance, qui s'était engagée à la virginité et l'a continuellement repoussé. Lorsqu'elle ne put plus le fuir, elle fit appel à son père, le dieu du fleuve Peneus, pour lui accorder la capacité de changer de forme. Il l'a fait, et elle est devenue un arbre.
Bernini représente la métamorphose à mi-chemin, les mains de Daphné devenant des branches. Il a conçu l'œuvre pour qu'elle soit vue de son côté, afin que les téléspectateurs puissent comparer la réaction douloureuse de Daphné et la réponse choquée d'Apollo. Dans une touche typique du style baroque, tout semble être en mouvement - les cheveux de Daphné se tordent comme s'ils étaient soufflés par une rafale de vent, et les vêtements d'Apollo semblent s'envoler de lui alors qu'il tente de l'attraper.
Baldacchino pour la basilique Saint-Pierre (1623-1634)
Lorsque le Getty Museum de Los Angeles a organisé la toute première rétrospective du Bernin aux États-Unis en 2008, le critique Arthur Lubow a demandé à la conservatrice Catherine Hess pourquoi il n'y avait pas eu d'exposition comme celle-ci plus tôt. Elle a répondu : « Comment déplacez-vous la Piazza San Pietro ? Elle faisait référence à la grande zone avant la basilique Saint-Pierre au Vatican, pour laquelle Bernini a agi en tant qu'architecte en chef. Une grande place avec des colonnes en forme de clé (une référence à la remarque de Jésus sur la remise des clés du ciel à Saint-Pierre), elle compte parmi les plus grandes réalisations du Bernin et ne peut être pleinement appréciée qu'en personne.
De même pour l'une des plus grandes créations sculpturales du Bernin, qui se trouve à l'intérieur de la basilique. Cette structure de 94 pieds de haut, connue sous le nom de baldacchino, est un auvent en bronze qui s'élève au-dessus du maître-autel de la basilique. Ce n'est pas n'importe quel auvent, cependant, chaque partie de sa surface semble travaillée. Ses colonnes, plutôt que d'être de simples structures de support verticales, semblent se tordre vers le haut, et son sommet est orné de motifs dorés ornés et de figures allégoriques.
Des sculptures d'abeilles peuvent être repérées partout. Il s'agit de références à la famille Barberini, dont faisait partie le pape Urbain VIII, qui commanda l'œuvre. Le Bernin a développé un lien particulièrement fort avec Urban, qui a permis à l'artiste de commencer à fusionner la sculpture, l'architecture et le design dans son travail. Comme le premier biographe du Bernin, Baldinucci, l'a écrit un jour, il était « de notoriété publique qu'il fut le premier à unir l'architecture, la sculpture et la peinture de manière à ce qu'elles forment ensemble un bel ensemble ».
L'Extase de sainte Thérèse (1647-52)
Au milieu du XVIIe siècle, le nom du Bernin était bien connu à Rome, en partie grâce à la relation de travail qu'il a forgée avec le pape Urbain VIII. Quand Innocent X a pris le pouvoir en 1644, la chance de Bernini s'est envenimée. Déterminé à s'opposer à son prédécesseur, Innocent X a exclu Bernini des commissions papales, coupant essentiellement une source vitale de revenus qui lui avait permis d'amasser une fortune dans les années précédant le règne d'Innocent. Quoi qu'il en soit, d'autres membres de l'élite ont continué à travailler avec l'artiste.
Une de ces commandes a fini par définir la carrière du Bernin. Au cours des années 1640, le cardinal vénitien Federico Cornaro a demandé au Bernin de concevoir une chapelle élaborée dans l'église Santa Maria della Vittoria de Rome, où Cornaro devait être enterré. (Cornaro est décédé en 1653, un an après l'achèvement de la pièce.) L'œuvre que Bernini a fini par produire présente comme pièce maîtresse une sculpture de Thérèse d'Ávila, connue pour sombrer dans des états d'extase lorsqu'elle communiquait avec Dieu. Un ange flottant est montré alors qu'il s'apprête à la harponner avec une flèche ; La tête de Teresa est penchée en arrière et ses yeux sont fermés. Des tubes de bronze dorés deviennent comme des rayons de lumière qui brillent du ciel. À gauche et à droite de la sculpture, Bernini a sculpté des reliefs de Cornaro et d'autres,
L'Extase de sainte Thérèse est considérée comme l'œuvre ne plus ultra du mouvement baroque. Il distille le plus purement l'accent mis par ce style sur l'émotivité, le drame et l'excès, et c'est un excellent exemple des commandes à haute valeur de production entreprises à l'époque par les artistes. Pour obtenir un effet maximal, Bernini a fusionné des techniques de plusieurs formes d'art - sculpture, théâtre, architecture, etc. Plus tard, Alexandre VII enrôlera même le Bernin pour des projets de design urbain, y compris une refonte de la Via del Corso de Rome.
Buste de Louis XIV (1665)
Au milieu du XVIIe siècle, l'ère de l'absolutisme avait commencé. Les monarques et les responsables religieux tentaient de prendre le contrôle total de leurs États respectifs. Cela signifiait également se mobiliser pour développer une influence au-delà des frontières de leurs pays. Ainsi, lorsqu'en 1665, le Bernin fut convoqué en France par le roi Louis XIV, ce fut plus qu'une simple ouverture, c'était aussi pour montrer que son pays avait le pouvoir de ravir l'artiste bien-aimé de la papauté.
Le Bernin était alors retombé en bonnes grâces avec la papauté sous le règne d'Alexandre VII. Il a été amené en France pour créer des dessins pour le Louvre, qui était alors une résidence royale. (Il ne deviendra un musée qu'en 1793.) Les conceptions de Bernini ont été accueillies avec désapprobation, et l'artiste capricieux a quitté Paris seulement six mois après son arrivée. Lui et Louis n'ont jamais été en bons termes non plus. Bernini a commencé à travailler sur une sculpture équestre du roi, seulement pour la voir, une fois terminée, partiellement re-sculptée par des ouvriers agissant au nom de Louis, qui détestait le travail.
Il y avait, cependant, un succès majeur qui est né d'une visite à l'étranger autrement malheureuse: le portrait de Louis par Bernini. Ce buste montre le Roi Soleil vêtu d'une armure, comme s'il était un général. En fait, le portrait était très idéalisé, même si Louis s'y est assis pendant de longues périodes prévues par Bernini pour lui permettre d'envisager correctement sa psychologie. Dans une touche typique du Bernin, le tissu s'enroule autour de Louis. Aujourd'hui conservé au château de Versailles, le buste est considéré comme l'une des images emblématiques de Louis XIV, dont le visage a été peint de nombreuses fois par de nombreux artistes, de Hyacinthe Rigaud à Claude Lefèbvre.
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